Registro 222: Uma coisa leva a outra..

• Dei de ouvir Beatles constantemente. Música para ouvir, pra dançar, pra sonhar com céu lantejoulado de diamantes e campos de morangos. Acredite; esses momentos prazerosamente curtidos não estão carregados de nostalgia paralizadora, embora plenos de passado rememorado são revitalizadores. Sinto-me recarregado para me transformar. "Metamorfose ambulante". Penso então no que diz Claudio Magris, autor de O Senhor Vai Entender, ainda não lido nem adquirido. Diz ele: "A memória olha pra frente; carrega consigo o passado, mas para salvá-lo, assim como são recolhidos os feridos e os mortos que ficaram para trás, pra levá-lo de volta à pátria, à casa natal que cada um, afirma Bloch, acredita em sua nostalgia ver na infância e que, entretanto, se encontra no futuro, em um futuro livre e liberto" (O ESTADO DE S. PAULO, 30 de novembro de 2008). Ecos benjaminianos.
• Citei Magris na abertura do Primeiro Encontro Latino-Americano de Teatro - Trânsitos na Cena Latino-Americana Contemporânea organizado por Hector Briones e Cacilda Póvoas. Durante o evento (3 a 5 de dezembro) no Teatro Vila Velha um grupo de pesquisadores da Argentina, Brasil Chile, Costa Rica, Cuba, Equador, Peru e Venezuela ligados ao Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas - UFBA apresentaram comunicações a respeito do fazer teatral em seus respectivos países. Essas comunicações fazem parte da publicação lançada pela Edufba no encerramento do Encontro. Utilizei do tempo concedido para falar desse diálogo entre próximos-distantes e da importância de ouvirmos o Outro para alargar as fronteiras, não somente as teatrais, mas a de convívio e aprendizado. Magris me ajudou na referência que fiz à memória, visto que as falas estavam impregnadas de memória positiva, aquela que nos lança pra frente, ainda que estejamos tratando do passado, para muitos aterrador. Se pensarmos que o fazer teatral na América Latina esteve sob o jugo de governos ditatoriais (um aspecto recorrente em todos as comunicações) que nem sempre compreendem o significado da arte, mais especificamente da arte teatral, o valor positivo que salta das memórias é que elas não estão impregnadas da obsessão que leva ao ódio vingativo. Talvez pelo fato dos participantes serem jovens, não há traço de rancor quando relatam as lutas dos seus conterrâneos para manter a atividade teatral viva e atuante durante os regimes de exceção que aterrorizaram a região na vigência da Guerra Fria fator que resultou na quebra democrática e no endurecimento dos regimes.
• A iniciativa do Encontro é salutar. Pôde-se tomar conhecimento de realidades semelhantes e diferentes sobre o teatro que se fez e faz além das fronteiras, limites que podem ser alargados no momento em que passamos a dividir experiências, procedimentos e encaminhamentos para a cena.
• Recebi de Fanny Abramovich, juntamente com a revista Continuum editada pelo Itaú Cutural alguns cartões para a minha coleção e um marcador de livros; nele, uma frase de Oscar Wilde: "Não sou jovem suficiente para saber tudo". Fina ironia!
• Veio também um guia com indicações de lançamento de livro, discos e DVD's. Cinco filmes de Ingmar Bergman acabam de ser lançados: Da Vida das Marionetes, O Rito, O Olho do Diabo, Depois do Ensaio e Uma Lição de Amor. Ah, dois de Sokúrov, cineasta russo, também estão na praça, Arca Russa e Pai e Filho. Vi o último; um filme estranho. Sokúrov descreve a relação entre pai e filho de uma maneira estranhamente bela, ambígua, desconcertante. Saí do cinema com uma sensação de não ter captado algo dessa história encenada vagarosamente, quase sempre em primeiro plano e closes de atores inquietantemente belos. Vale a pena conferir.
• Danuza Leão em entrevista ao no Caderno 2 (A Tarde, 4.12.2008) deve ter mexido com os brios baianos. Lá pras tanta ela diz: "Agora tudo tem promoter na Bahia" e vai alfinetando a vida social/cultural da soterópolis. O gozado é que Danuza veio desse ramo, mas ela tem lá suas razões. Pasteurizaram tudo! E dá-lhe mesmice nos acontecimentos!
• As festas de fim de ano se aproximam. Sempre gostei delas, principalmente quando criança e também na adolescência. Na minha família, o Natal era festa de porta aberta, sempre pra fora, receptiva. Meu pai, festeiro de marca maior, gostava de fazer festas natalinas para a cidade. Armava presépio grandioso no salão da principal escola da cidade (ou na rua) e aí recepcionava as crianças e idosos que recebiam brinquedos os primeiros e cobertores os segundos. Semanas antes, quantas vezes acompanhei meu pai percorrendo a periferia da cidade para distribuir uma senha, garantia do ingresso no recinto do presente. Depois que fazia esse evento, abria o salaão para quem quisesse apreciar o presépio que muitas vezes ajudei a montar.
• Na infância, eu costumava visitar as casas em que tinham presépios, encantando-me sempre com as soluções de cada um. Fascinava-me ver a cenografia e a mistura inusitada de objetos e imagens contemporâneas que se juntavam àquelas tradicionais remissivas ao nascimento do Menino. Geralmente montados nos cantos da sala, ofereciam-se ao olhar do espectador como um palco italiano. Muitas vezes fui surpreendido com presépios montados no centro da sala, levando-me a uma visibilidade circular, como se o espetáculo fosse em arena. A geografia desses presépios, às vezes grandiosa, era construída com caixas, panelas, tábuas, tijolos e outros objetos cobertos de musgos catados na caatinga, musgos vermelhos, alaranjados e verdes que impregnavam o ar com um cheiro característico do campo do sertão. Os mais requintados, achavam seus proprietários, eram feitos com papel pintado de cinza imitando rochedos e gruta onde a cena do nascimento era recolhida. Alguns eram feitos de pedra salpicadas de tinta azul escuro, vinho e branca, resultando num efeito interessante e rompendo com a realidade dos objetos, mas sem escondê-los, num efeito mimético de recriação. Areia fina e de brancura imaculada marcava algumas regiões dessa paisagem, enfeitadas com conchas e búzios.
• Na adolescência, eu e meus amigos, ficávamos na praça fazendo o footing até a hora da Missa do Galo, que geralmente não íamos. Reminiscências. Os Natais da minha infância não eram regidos por esse consumo desenfreado. Tanto eu quanto meus irmãos ganhávamos roupa nova, um presente muito simples... No jantar havia peru. Ah, havia sempre queijo do Reino na sua tradicional embalagem. Para nós, Natal sem queijo do Reino não era Natal. Não precisava nem de presente!

Registro 221: O que vai em mim e o que vai por aí

• Ando meio preguiçoso. Ando trancado, ensimesmado, afastado. Cultivo as minhas idiossincrasias, tentando não afetar os outros; nem vontade de falar eu tenho. "Ando meio desligado e nem sinto os pés no chão", diz uma das letras dos Mutantes... Quando eu era jovem gostava de ouvi-los. Ainda gosto e muito.
• Por que escrevo? Para não me entupir. Tenho ouvido Bach. Me acalma. Recebi a visita de um sobrinho-afilhado. Veio trazer o convite de casamento. Os jovens ainda casam com pompa e circunstância. Ao ouvir Bach, ele comentou: "A música é introspectiva", mas queria dizer que eu estava na fossa (esse termo é geracional), conclui. Qual o termo atual para fossa?
• MUITO, aquele encarte do jornal A Tarde (não me peça opinião sobre ele), edição de hoje, traz uma reportagem sobre aquelas moças (Sarajane, Carla Visi, Márcia Short, Cátia Guimma e Márcia Freire) que fizeram sucesso em cima do Trio Elétrico e foram defenestradas para o país das ostras. Uma pena! São talentosas as moças...tanto quanto as congêneres que vieram depois ou ao mesmo tempo e estão aí megainvestidas A reportagem não diz tudo. Mas posso imaginar o buraco onde estavam e onde estão. Imagino que por culpa dos outros e delas também. No mesmo encarte, a diretora da fundação Cultural do Estado da Bahia, fala, fala e não diz nada... aproveitável. Do mesmo jeito o doutor Francisco Bosco... um amontado de frases feitas. Salva-se a indicação que ele fez ao pai, João Bosco: ler Dois Irmãos, de Milton Hatoum. Salva-se também No verão, melhor é ser aut+ista, de Aninha Franco. Garota esperta essa Aninha!
• Recebi o telefonema de uma amiga-irmã que reside no balneário Rio de Janeiro, a cidade mais linda do Brasil. Ela pediu ajuda para resolver um dos trechos desses intermináveis formulários para patrocínio cultural - financiamento para teatro. Ela quer montar um texto e vem labutando com o MINC e agora vai labutar com uma dessas empresas de telefonia. O trecho referido era sobre a contrapartida social: "O que seu projeto vai fazer para democratizar a cultura?" Balela para aplacar a má consciência da dita empresa e agradar o governo populista que inventou essa história de contrapartida social.. Conversamos e ela me disse que vai precisar de uma cirurgia para retirar um tumor. Não fez drama nem estava apavorada.
• A Cidade do Salvador continua suja e barulhenta na mesma proporção.
• Berlin Alexanderplatz, o enorme filme de Reiner Werner Fassbinder foi lançado em DVD. Vale a pena ver no silêncio da sala de estar, sem a inconveniência de se irritar com o "educado" público que escolhe as sala de cinema para conversar, namorar, comer pipoca e balas, conferir e atender o celular. Ô luzinha irritante! O pior é quando você reclama, os ditos se sentem injustiçados, agredidos, numa flagrante inversão de valores!
• Ler tem sido o maior prazer. E como! Prazer solitário mesmo. Daí me pergunto: essa história de que a narrativa e o livro estão fadados a morrer faz parte de uma campanha orquestrada para gerar interesse por outras mídias e suas formas de expressão? Interessa a quem discutir e difundir tal idiotice? Desviar grana, só pode ser. Nada substitui o prazer da escolha do livro, de abrir sua páginas, sentir no tato o papel, deixar o cheiro penetrar as narinas e os olhos se encantar com a capa, a diagramação e depois disso mergulhar no imenso oceano das palavras. Esse contato é de uma sensualidade indescritível porque muito particular. Depois de alguns anos imerso nos livros teóricos, em virtude das obrigações acadêmicas, retomo ao febril e estoteante gosto pela ficção. Leio um livro a cada semana. Registro os que li na seguinte ordem: Um Sonho a Mais, de Doris Lessing; Pastoral Americana, de Philip Roth; As Brasas, de Sándor Márai; Diário de Escola, de Daniel Pennac; Jó, de Josef Roth (deixou-me enchacardo de lágrimas. Ah, vi Milágrimas, o belo espetáculo de Ivaldo Bertazo na TV SESC. O pessoal que faz dança-conceitual contemporânea devia olhar com olhos de querer ver para aprender ou reaprender a dançar). Agora começo a leitura de Menino de Lugar Nenhum, de David Mitchell, depois de ler a biografia de Ruth Rachou, escrita por Bernadette Figueiredo e Izaías Almada, despertando-me doces e engraçadas lembranças. Recomendo todos. Mas faça a sua escolha guiado (a) por outras opiniões. Reafirmo o prazer da leitura e não vou teorizar sobre isso. Prazer que eu aprendi com tia Edna, professora da escola primária em Baixa Grande e Feira de Santana. Ela perdia-se na leitura e ganhava o dia! Deixo-me de herança esse gosto pela leitura. Quando leio, não vejo a hora passar. Quando me envolvo nas teias de um autor, deixo-me agarrar...
• Por falar em livro, a Edufba + Eduneb reeditaram de Silio Boccanera Júnior O teatro na Bahia da Colônia à República (1800-1923). Certa feita, tive acesso ao livro na sua primeira edição. Por necessidade, não resisti, fiz uma cópia. Agora tenho a segunda edição (2008).
• Cleise Mendes, foi minha orientadora no mestrado e doutorado, lançou A Gargalhada de Ulisses, a catarse na comédia , livro derivado de sua instigante tese.
• O livro que escrevo vai saindo lentamente. Ainda sem título, seus personagens assaltam as minhas horas dedicadas a outras atividades. Ocupo-me deles sem pressa. Tenho outros livros na fila, esperando a resposta das editoras. Espera angustiante.
• Os alunos do curso de Artes Cênicas da Faculdade Social fizeram trabalhos interessantes no Seminário Interdisciplinar e na Mostra Didática das disciplinas Encenação e Interpretação III. É lamentável que o curso esteja acabando, mas temos três semestres pela frente e muito trabalho e cena e solos e performances. Dionísio é mais!
• Para aguentar domingo só mesmo escrevendo. Êta dia chato! Principalmente pós-meio-dia.
• No Estadão de hoje, mais precisamente no caderno Cultura, José Marcos Coelho escreve Sons de uma América Desconhecida e nos informa sobre Elliot Carter, compositor americano que aos 90 anos continua compondo. Reconhecido somente nos "círculos da vanguarda - sobretudo européia", ele é um ilustre desconhecido em sua terra natal. Lá para as tantas, Coelho pergunta: "Será que o critério fundamental para se aferir a qualidade da música de um compositor contemporâneo é avaliar em que medida o público a compreende e aceita? Isso seria nivelar por baixo, com certeza". Diante do que tenho visto por aí, fico tentado e reconhecer que a norma é essa, meu caro Coelho. Mas a minha parca abertura mental diz que NÃO. Se assim fosse Arte e Artistas (com maiúscula, propositadamente) estariam perdidos para sempre. E não estão! Em meio a arte errada (vide http://www.cadernosgrampeados.zip.net) cultivada por um grupinho que se acha o supra-sumo da vanguarda e as aberrações avalizadas pelo grande público massificado, pérolas são cultivadas.
• Por falar em publicão, durante uma sessão do espetáculo Hamlet (Shakespeare, Aderbal Freire Filho) no Teatro FAAP-São Paulo, uma espectadora sentada na primeira fila levantou um cartaz com a seguinte frase: "Eu sou sua piscininha. Jogue-se aqui". Os dizeres, fora de hora e de lugar, foram dirigidos ao ator Wagner Moura, que, pasmem, parou para ler o cartaz, perdendo a concentração e rompendo com o ritmo da encenação. Em que lugar fomos parar?
• Pérolas aos porcos!
• A polêmica Tom Zé x Caetano Veloso, cansa! É certo que Tom Zé foi limado no auge do Tropicalismo ou depois. O que aconteceu de fato nunca veio a público. Graças ao seu talento e a Arto Lindsey, Tom Zé ocupa o lugar que merece. Agora faz sucesso, mas acho que o rancor amarga ainda a sua alma. Pra quem cuidou de rosas no jardim do condomínio onde residiu, o sentimento que guarda, ainda, não lhe cai bem. Mas tudo gera dinheirinho na caixinha de dona baratinha e a polêmica serve pra isso. Um pouco de bossa devia guiar os passos dos dois, que se mostraram muitas vezes elegantes!
• Por que escrevo? Para estender pontes entre meu coração e o coração de quem se dispõe a ler o que escrevo
• Chega! Por hoje é só. Como dizia Sílvio Lamenha: Poesia é axial!

Registro 220: O Diário de Judith Malina

• Em meio à pesquisa para elaboração da tese Transas na Cena em Transe: teatro e contracultura na Bahia (PPGAC - UFBA, 2007), deparei-me com a publicação, pelo Jornal da Bahia (1971), do diário escrito por Judith Malina quando presa no DOPS, Belo Horizonte, no período em que o Living Theatre veio ao Brasil a convite de Zé Celso e Renato Borghi. Originalmente, o texto foi publicado pelo jornal Diário de Minas.
• O longo diário foi reproduzindo em seis números do Jornal da Bahia e estão arquivados na Biblioteca Central numa situação deplorável, visto que tem sido manuseado de qualquer jeito. Além disso, não recebem a atenção dos responsáveis pela guarda de tais documentos, embora os funcionário tentem manter o acervo. Mas o que falta na verdade é o investimento do poder público com vistas a preservá-lo. Papel velho não dá voto nem status. Parece interessar somente a essa gente obsessiva, os pesquisadores.
• Por conta das condições dos jornais e temendo a perda do material, xerocopiei página por página e em seguida digitei o texto de Malina na forma como o encontrei. Isso acarretou lacunas, mas preservo o documento que me custou horas de trabalho. Sou péssimo digitador. Ah, eu devia ter feito um curso de datilografia, não é prof. George Mascarenhas?!
• Através do Guia da Folha (31.10.2008) soube da publicação do Diário de Judith Malina pela Secretaria de Cultura de Minas Gerais - Arquivo Público Mineiro. Corri atrás da edição. Agora, conto com a totalidade do texto e espero usá-lo. Afora o Diário, documento inestimável para que se possa entender a passagem do Living por Ouro Preto, lugar onde residiu o grupo depois da impossibilidade de trabalhar com o Grupo Oficina, toma-se conhecimento de mais um dado da repressão efetivada pelos orgãos de segurança sob a égide do governo Médici. No período, a perseguição, a tortura e morte atingiu os militantes de esquerda, os dissidentes e as hostes contraculturais, todos empenhados em questionar e protestar, a seu modo, contra a supressão da liberdade e o regime ditatorial.
• A bela edição mostra o empenho da comissão editorial e da Secretaria de Cultura em reunir o material, agregando outras informações sobre o Living Theatre. Fartamente ilustrado, impresso em papel Couchê, o livro oferta-se ao leitor como um objeto muito bem concebido graficamente. Consta de seu sumário, o Diário, os artigos Coisas que ficaram muito tempo por dizer, de Heloísa Staling, A reinvenção do teatro, de Adyr Assumpção, Sobre o Living no Brasil de Ilion Troya e uma cronologia das produções do Living Theatre do mesmo autor.
• Recomendo o livro, uma pena que o mesmo não é comercializado, o que priva o acesso a ele.

REGISTRO 219: Receita

21 DICAS PARA QUEM QUER SER UM ARTISTA (DE TEATRO)CONTEMPORÂNEO

As dicas não são de minha autoria. Recebi de Celso Júnior, diretor, ator, professor de teatro. O humor corrosivo das dicas não compromete a lucidez de cada uma. Ao contrário, aumenta-lhes a eficácia, principalmente nos tempos que correm. Divirta-se... e pense.

1. Monte uma cena toda em preto e branco, utilizando apenas alguns detalhes destoantes. (Outra dica pra não errar: acessórios vermelhos)

2. Termine o espetáculo assim como ele começou, pra passar uma idéia de ciclo.

3. Apoie sua montagem num jogo, de preferência num tabuleiro de xadrez, onde cada atorrepresente uma peça. Claro, conclua com xeque-mate.

4. Nomeie seu espetáculo de 'Processo' e não o termine NUNCA!

5. Nomeie seu espetáculo de 'Performance', mesmo não sabendo o que isso é direito.

6. Utilize uma mesa que se transforme em tudo; ora cama, ora porta, ora parede... e mesamesmo.

7. Nada de figurinos pesados: todo mundo de cinza e descalço.

8. Monte um clássico e faça a readaptação no nordeste ou na favela.

9. No cenário, o chão deve ser de barro, areia, mato ou café. Algo simbólico e que suje bastante.

10. Excite os 5 sentidos do público (ou 6, se conseguir), embora isso se resuma a acender um incenso, jogar água na platéia, servir vinho, encostar numa parede e mandar tomá-los no cu.

11. Misture dança, teatro, música e artes plásticas e não faça nenhum dos quatro direito.

12. Coloque algum aparelho elétrico ligado. De preferência uma cafeteira.

13. Diga que todo o seu processo com os atores se baseou em view point.

14. Convide alguém famoso pra dizer que indica a peça no programa, mesmo sem ele nunca ter assistido.

15. Monte em arena e delimite o espaço público-platéia com giz. Ah, se quiser sofisticar, filme e exiba as reações do público ao vivo num telão.

16. Ensaie seus atores com yoga, karatê, ginástica olímpica, box, capoeira e meditação. Menos com teatro.

17. Crie maneiras de interagir com o público. Entregue fones de ouvido tocando um lounge bem blasê e/ou alguém texto de auto-ajuda, enquanto os atores fazem partituras de movimento.

18. Crie a sua própria trilogia.

19. Coloque algum ator fazendo um depoimento pessoal no microfone.

20. Pra ser contemporâneo, tem que ter secreção. Peça para o ator suar bastante ou cuspir em cena.

21. Por fim, limite o número de espectadores, de preferência 3, e lote todos os dias.

É infalível!

Registro 218: Uma foto fetiche, uma estréia auspiciosa

O presente texto foi motivado por dois fatos; ter recebido de minha grande amiga, a atriz Cleide Queirós, a foto que ilustra esse registro e a estréia de Álbum de Família, de Nelson Rodrigues, espetáculo de conclusão de curso dos alunos de Artes Cênicas da Faculdade Social, turma que ingressou em 2004. Álbum de Família, com direção do professor e dramaturgo Paulo Henrique Alcântara estreou no Teatro Vila Velha e cumpre temporada até 18 de novembro.

Os acontecimentos fizeram-me recordar a passagem pelo Teatro Popular do SESI, quando fiz Oromar, um dos personagens de A Falecida. A presença de Nelson Rodrigues na platéia deixou o elenco expectante. No final do ensaio geral ele subiu ao palco para falar com todos nós e posar para a foto. Guardo-a como um fetiche. Na estréia, o autor compareceu acompanhado por sua esposa e irmãs. Uma família rodriguena.

Quando cheguei a São Paulo no começo da década de 70, o Teatro Popular do SESI – TPS, uma realização do saudoso diretor Osmar Rodrigues Cruz, mantinha-se em atividade desde 1962, quando as atividades teatrais realizadas pelo órgão patronal foram oficializadas sob o nome de Teatro Popular do SESI. Seu idealizador tomou para si a empreitada de juntar às suas idéias sobre teatro popular as de Jean Vilar e Romain Roland.

O TPS, até a inauguração de sua sala de espetáculo no prédio da FIESP (1977), alugava os bons teatros da cidade, mantendo em cartaz um repertório eclético de peças consagradas da dramaturgia universal e textos nacionais de qualidade. Textos e que não fossem de encontro ao pensamento da instituição patrocinadora. O TPS não cobrava ingresso e um dos seus objetivos era oferecer bons espetáculos para os trabalhadores da indústria, ampliando o seu público ao longo de sua existência e tornando-se uma referência para São Paulo. Sempre que uma peça estava em cartaz, filas enormes se formavam na porta do Teatro do SESI para trocar a filipeta distribuída ao longo da semana pelo ingresso do dia.

Os elencos do TPS tinham emprego garantido por muito tempo, já que as peças ficavam em cartaz durante anos. Na maioria das vezes, os atores eram aproveitados nos espetáculos seguintes, mantendo-se o contrato e a carteira assinada, fato que garantia os direitos trabalhistas e os reajustes salariais conforme as diretrizes do SESI.

Assim que passei a fazer parte da classe teatral paulistana, percebi que os espetáculos do TPS eram considerados “teatrão”, portanto conformados a uma estética “careta”. Os atores que contratados eram (des)qualificados de “funcionários de teatro”, gente conformada, sem grandes vôos artísticos. Essa atitude preconceituosa disseminada entre setores da classe teatral revelava a atitude preconceituosa de quem olha para o próprio umbigo, como se dele surgisse a única referência estética de qualidade. Muitas vezes ouvi críticas debochadas sobre aqueles que trabalhavam nas produções do TPS. Eu mesmo fui contaminado por essa atitude; deixei-me levar pelas idéias daqueles que não aceitavam a proposta estética de Osmar Rodrigues Cruz, até que fui indicado por Flávio Império para o elenco de A Falecida, de Nelson Rodrigues, encenação estreada em 1979. Confesso que a princípio me senti desconfortável, já que ia fazer parte dos “funcionários de teatro”.

Embora soubesse que aquela estrutura não preenchia a minha inquietação de artista, logo percebi que teria boas condições de trabalho e que podia aprender com um profissional que sabia muito bem o que queria dos seus atores. Osmar Rodrigues Cruz mostrou-se sempre conhecedor do palco e fazia o ator render, indicando-lhe tempos, ritmos e efeitos necessários para a cena. Além disso, eu podia contar com a genialidade de Flávio Império, artista que realizou para o TPS os mais belos e inteligentes cenários dos últimos anos de uma deslumbrante carreira. Portanto, busquei o que me interessava enquanto artista, além de saber que ganharia um bom salário, obtendo também assistência médica.

No mais, pela primeira vez participei de uma produção que estreava com tudo pronto. Nos quinze ensaios antes da estréia, o espetáculo estava no palco, com a iluminação, cenários e figurinos. Não faltava nada e o elenco sentia-se seguro para explorar as possibilidades dos elementos cênicos. Até aquela data, depois de onze anos de carreira, eu não passara por essa experiência. Em sua maioria, as produções não davam conta de todos os elementos do espetáculo, o que tornava o ensaio geral um sobressalto e a estréia um momento para além da tensão esperada.

Vi bons espetáculos dirigidos por Osmar Rodrigues Cruz: Caiu o Ministério, de França Júnior (1973), Leonor de Mendonça, de Gonçalves Dias (1974), O Poeta da Vila e Seus Amores, de Plínio Marcos (1977), Chiquinha Gonzaga, Ó Abre Alas, de Maria Adelaide Amaral (1983), O Rei do Riso, de Luiz Alberto de Abreu (1985), O Santo Milagroso, de Lauro César Muniz, Muito Barulho por Nada, de Shakespeare (1986). Esses espetáculos eram cercados de apuro técnico, acabamento e qualidade artística, comunicando-se com seu público e contribuindo para a formação de platéias. As montagens com elenco numeroso, contava sempre com nomes consagrados, intérpretes conhecidos que se encarregavam dos principais papéis e atores talentosos nos segundos e terceiros papéis.

Saí do Teatro Popular do SESI para fazer Geni (1980), um projeto de Marilena Ansaldi e José Possi Neto, mesmo sabendo que ator que saísse dos espetáculos do TPS antes do final do contrato dificilmente voltaria a trabalhar na instituição, visto que essa era a norma vigente. A inquietação e a promessa de um trabalho mais arrojado motivaram a minha decisão.

Para minha surpresa, em 1982, fui chamado por Osmar Rodrigues Cruz para fazer parte do elenco de Coitado de Isidoro, peça na qual faria o protagonista. Ao ler o texto – depois de ter a carteira de trabalho assinada – caí do cavalo. A comédia era muito ruim, um texto sem nenhum valor dramatúrgico, destinado ao núcleo do Teatro Popular do SESI em Santo André e para excursionar pelo interior. Acredito que o próprio Osmar sabia que o texto era ruim. E até hoje não sei quais os motivos que o levaram a encenar tal coisa. Mas a situação, embora incômoda para mim, foi se tornando mais favorável, já que aprendi com Osmar Rodrigues Cruz a fazer comédia, um gênero que eu recusava representar. Desde meu aprendizado na Escola de Teatro da Ufba, eu não me sentia capaz de fazer ri a mais benevolente platéia. O pavor do ridículo foi diminuindo à medida que Osmar dirigia a mim e aos meus companheiros de elenco. Mesmo assim, por várias vezes durante a temporada, fui acometido de pavor antes de entrar em cena. Mas acontecia algo mágico: o espetáculo era bem recebido pelo público que ria de tudo que os atores faziam em cena. E a bobagem, Coitado do Isidoro, funcionava às mil maravilhas e eu dava conta do recado, livre dos meus receios e solto em cena. Agradeço a Osmar Rodigues Cruz e a Fancisco Medeiros, seu assistente naquele período, a possibilidade de descobrir uma qualidade que eu não imagina ter como intérprete.

Para conhecer o trabalho de Osmar Rodrigues Cruz, dono de uma portentosa biblioteca, cujos livros sobre teatro enchiam a maior parte das estantes, eu recomendo a leitura de Osmar Rodrigues Cruz, Uma Vida no Teatro (Hucitec, 2001), de sua autoria juntamente com Eugênia Rodrigues Cruz, sua filha. Sobre a encenação de A Falecida, ver o livro de Sábato Magaldi, Nelson Rodrigues, Dramaturgia e Encenações (Perspectiva, 1992).

Álbum de Família, a encenação de Paulo Henrique Alcântara, emoldurada operisticamente, revela um elenco de jovens atores que encerram um período do seu aprendizado para iniciar outro, o da vida profissional. Muito bem dirigidos pelo professor-diretor, o rendimento geral do elenco é notável, com destaque para alguns intérpretes, aqueles que conseguem se destacar sem que se perca o equilíbrio necessário para apreensão do todo. Creio que esse destaque deve-se ao fato desses alunos-atores compreenderem melhor o personagem, entregando–se aos esteios da concepção cênica e, sobretudo, por escutarem de forma sensível as sugestões do encenador e de Juliana Rangel encarregada da preparação vocal e corporal do elenco.

Contracenando com Vivianne Laerte, atriz convidada, os formandos do curso de Artes Cênicas da Faculdade Social– Alexandre Moreira, Andressa Manso, Iriane Santana, Isabella Gusmão, Mariana Brandão, Newton Olivieri, Pedro Augusto, Vagner Marques, Vanessa Meyer e Viviane Veiga – puderam aproveitar a experiência de uma atriz profissional, e isso se reflete em cena. Cena densa, superlativa, qualidade que o texto de Nelson Rodrigues explora ao limite da saturação e que Paulo Henrique Alcântara não ameniza, mas exacerba. A potência do texto de Nelson Rodrigues é escancarada pelo encenador sem nenhum pudor. O elenco, dentro de suas possibilidades, sustenta com segurança o clima pesado, fazendo a platéia reagir de maneira positiva. Não estivesse o elenco ciente da proposta de Paulo Henrique Alcântara o resultado poderia ser desastroso. O que não é. Recebe-se aquele mundo extremamente doente sem rejeição ao espetáculo. O riso aparece no momento certo, provocado pelas famosas frases do autor.

A opção do encenador deixa o espetáculo em um único tom, do início ao fim, quebrando-se a atmosfera grandiloqüente somente na cena de Glória e Teresa, quando o sopro do lirismo rebaixa o diapasão constante do espetáculo. Esse rebaixamento não quebra o ritmo, não afrouxa a tensão e inunda a cena de outra luminosidade. A encenação ganharia outras modulações se Paulo Henrique Alcântara dosasse a intensidade, sem deixar de seguir a sua opção pela impostação operística, um enquadramento coerente com o universo da peça, classificada por Sábato Magaldi como um das Peças Míticas. As outras são: Anjo Negro, Dorotéia e Senhora dos Afogados. Parece-me que o encenador se deixou levar pelas obsessões do autor, exacerbando um conteúdo já em si desmesuradamente arrebatado. Essa substância exposta de maneira tão chapada levou Sérgio Milliet (1) à seguinte conclusão: "Tão límpida é a casuística psicológica que, por vezes, sua literatura descamba para a ilustração psicanalítica e deixa de nos empolgar como obra-de-arte em si, que a arte não explica mas sugere, não resolve nem analisa problemas (o que cabe à ciência), mas aponta a sua inexorável existência".

O espetáculo mostra-se empostado como um ritual com tintas expressionistas, coerente também com a concepção que amarra o espetáculo. O cenário de Rodrigo Frota, muito bem concebido e adequado, os figurinos de Rino Carvalho, a trilha sonora de Luciano Bahia e principalmente as interpretações, definem a qualidade do espetáculo e são apreendidos pelo espectador como parte integrantes de um todo muito bem elaborado. Os elementos cenográficos, portas-altares, lembram também gavetas de cemitério, e baús, são signos fortes dimensionando o conteúdo do texto, embora a utilização dos baús seja tímida. O uso do espaço da sala do Teatro Vila Velha é bem realizado, expandindo-se a cena para além do palco italiano, lugar onde se concentra maior parte da ação. A luz, concebida com precisão por Fernanda Paquelet, colabora para a atmosfera trágica que a cena requer. Quanto aos figurinos, algumas objeções, visto que a idéia é boa, mas a realização fica a dever. Os figurinos dos personagens, Senhorinha (imensa calda do vestido), Guilherme (jaquetão com uma cruz nas costas), Glória (quando volta do internato) e Jonas, receberam um tratamento que se revela um equívoco. Isso não acontece com os demais, posto que foram concebidos e bem realizados, mostrando-se teatralmente fortes e ajudando os atores na composição de seus personagens e na movimentação em cena. Destaque para as roupas de Tia Rute, Heloísa, Teresa.

Os aspectos pontuados como negativos não desmerecem de nenhum modo a encenação. Produção cuidadosa, ofereceu condições para que o encenador realizasse no palco as imagens que concebeu a partir da leitura que fez do texto de Nelson Rodrigues. Paulo Alcântara soube construir uma forte e bela encenação, com momentos intensos e inesquecíveis. Os execessos não comprometem a organicidade da cena. Sem negar o autor escolhido, o encenador não fica subserviente ao texto. Revela sua paixão pelo autor, mas não se coloca timidamente diante do monumento que é o "Anjo Pornográfico". Ao mexer na estrutura da peça, ele ressalta pontos e com isso ganha fôlego. Encenação corajosa, desmesurada, não demonstra tibieza. Penso que os alunos-atores e Viviane Laerte saem enriquecidos dessa experiência. Não é sempre que intérpretes têm condições de fazer os personagens de uma peça como os de Álbum de Família, um aprendizado para qualquer ator/atriz. Infelizmente, ainda não chegamos ao ponto de poder encenar, profissionalmente, textos do calibre de Álbum de Família, mantendo-os em cena com a regularidade necessária para uma apreciação mais profunda do legado dos nossos dramaturgos e de sua adequação ao gosto das platéias. Platéias que podem fazer escolhas e não apenas aceitar o corriqueiro, o descartável, aquilo que não exija muito do seu tempo, de sua sensibilidade, do seu raciocínio. Uma temporada teatral não se faz apenas por um tipo de espetáculo, mas se sustenta e se afirma pela diversidade que não deve ser fruto da imposição mercadológica nem pela imposição do dirigismo cultural de minorias que se querem salvacionistas. A montagem de espetáculos de qualidade artística, cuja densidade dramática é ressaltada pela inventividade da encenação, termina por educar o público,torná-lo mais sensível e aberto para a densidade proporcionada por experiências que se afastam da mesmice.

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1 MILLIET, Sérgio. Álbum de Família. In: Magaldi, Sábato (org.) Nelson Rodrigues: teatro completo. Rio de Janeiro: Nova Auilar, 2003, p. 207-208.

Registro 217: Aqueles Dois

AQUELES DOIS

ÚLTIMO ESPETÁCULO QUE VI NO
FESTIVAL DE ARTES CÊNICAS DA BAHIA

Aqueles Dois, a encenação do conto de Caio Fernando de Abreu e aqueles quatro atores interagindo de forma precisa permanecem presentes no decorrer da semana, ativando a minha memória. Inesquecível exercício de teatro, longe da mesmice, longe dos modismos herméticos que só uma panelinha de iniciados compreende. Teatro para muitos ou pelo menos para quem tem o hábito e o gosto de ir ver teatro.

O sensível conto de Caio Fernando gerou o filme de mesmo nome, dirigido pelo gaúcho Sérgio Armon, lançado em 1985, uma realização não muito feliz. Faltava poesia. Agora chega ao palco numa produção da Cia. Luna Lunera de Belo Horizonte. Espetáculo engenhoso, mostra-se muito bem acabado e sua “mecânica” é uma atrativo para o espectador. Quatro atores em cena vivendo os dois personagens Saul e Raul, que por acaso se conhecem numa repartição pública ou numa firma, tanto faz. A despeito do ambiente mesquinho e sombrio do lugar onde ganham o pão, os dois se afinam numa relação que vai se construindo delicadamente, humanamente. E assim, adentramos na vida dos dois. A princípio, poucos gestos, monossílabos e frases curtas se transformam em diálogos e confidências, sedimentando esse encontro e a amizade entre opostos. Um extrovertido, Raul. O outro, Saul, amargo e crítico. A afeição cresce entre eles, e os dois passam a ser alvo da maledicência, da inveja e do preconceito dos colegas de trabalho.

Essa relação é mostrada de maneira precisa. O palco, um quadrado forrado com linóleo ocre. Em volta dessa área vários objetos, incluindo uma vitrola, um microfone com amplificador, são utilizados pelos atores durante a ação. Essa série de objetos identifica, não realisticamente, os ambientes por onde passam os personagens: apartamento de um, quarto de pensão do outro e sala de trabalho dos dois. O objeto de maior presença são gavetas. Elas se transforma em pastas, cadeiras, bancadas; completa a cena, máquinas de escrever, luminárias, xícaras e garrafa térmica para café, discos, papéis e lápis cera. Esses objetos definem o mundo dos dois personagens. Na dinâmica da encenação os atores dialogam entre si e identificamos Raul e Saul pelas cores das roupas. Duas duplas estão de azul e preto, duas de marrom e branco, ternos de trabalho gastos e amarfanhados.

A encenação joga com a multiplicidade e tira partido dos meios tons sem banalizar o ato teatral em si. O elaboradíssimo jogo de marcações executado com precisão pelos intérpretes é absorvido pela platéia, atenta ao desenrolar da história e também à inteligente e criativa forma com que a encenação foi elaborada. Essa interação entre conteúdo e forma acarreta alguns problemas, como por exemplo, a narração repetindo o que ação já revelou. Mas os senões não afetam a qualidade do trabalho. As soluções criativas surpreendem. O espaço em arena é bem explorado. Os intérpretes dão conta dos personagens. Alguns pequenos ajustes no tempo do espetáculo, talvez alguns cortes possam potencializá-lo.

A encenação de Aqueles Dois não descamba para o piegas, nem para intensidade dramática. O grupo acertou ao optar pelo intimismo e sutileza, elementos contidos no conto de Caio Fernando de Abreu. E tal qual a canção Tu Me Acostumbraste, vamos interagindo com a atmosfera, mergulhando a cada instante na proposta e ficamos cativos aos meios-tons que nem a cena do nu rompe. Penso que a cena na forma como se organiza não cria resistência por parte de uma platéia não acostumada com a nudez masculina em cena. Também não há gratuidade, já que a cena faz sentido e é um dado importante para compreensão da psicologia dos dois homens, Saul e Raul.

Desejamos que Cia. Luna Lunera continue sua pesquisa, escavando camadas da tradição teatral para extrair espetáculos estimulantes e revigorantes, cuja invenção se mostra intensamente comunicativa e elaborada.

Registro 216: A cena aberta, impressões sobre "Hysteria"

Hysteria, criação coletiva do Grupo XIX de Teatro (São Paulo) e Aqueles Dois, adaptação do conto homônimo de Caio Fernando de Abreu, pela Cia. Luna Lunera (Belo Horizonte) foram os dois últimos espetáculos do FIAC que escolhi para ver. Depois do fiasco que foi Good Exist, vindo da distante e simpática Noruega, ver os espetáculos paulista e mineiro foi reconfortante. Aliviado, recebi a experiência estética proposta pelos dois grupos, absorvendo-as sem resitência. Mas não afirmo que os dois espetáculos sejam fáceis de digerir e que não apresentem problemas na estrutura. Entretanto, as duas experiências exigem da nossa inteligência e da nossa sensibildade. Tanto uma como a outra, embora tragam a marca da pesquisa, criam empatia, visto que os elementos constitutivos da encenação podem ser apreendidos pelo espectador medianamente acostumado com ato teatral. No primeiro momento, tanto uma como a outra aguçam a curiosidade, que no desenrolar da ação vai sendo satisfeita. E não precisamos de manuais ou exercícios mentais elaboradíssimos para captar o que a cena propõe e revela.

Hysteria é fruto de um intenso trabalho de busca e se debruça sobre histórias de mulheres confinadas em instituições de tratamento psiquiátrico – Hospício Dom Pedro II, Rio de Janeiro, por volta de 1850. Tidas como doentes por seus pais ou maridos, as mulheres foram retiradas do convívio familiar para se tornarem reclusas em um mundo de dor, mundo controlado sempre por homens, os doutores. Estes, imbuídos do cientificismo positivista que domina o século XIX e boa parte do XX, diagnosticam e aplicam o tratamento contra o que determinam ser uma patologia. Na leitura dos doutos, qualquer comportamento desviante das mulheres é tipificado como caso clínico de histeria. Esclareço que os dotoures não estão em cena, eles são apenas mecionados na pessoa de Dr. Mendes.

Essas mulheres que estiveram mudas por muitos anos agora falam. E o lugar da fala é em Hysteria; aí, elas narram sobre suas alegrias, desejos, sonhos, medos, amores, desesperos, filhos, casamento, sexo e sobre tudo que diz respeito ao humano, particularmente o feminino. Juntam-se a elas as mulheres do século XXI. Elas adentram a sala onde se representará Hysteria não mais como espectadoras, mas como atuantes.

Cabe aos homens o incômodo papel de assistentes/espectadores. Eles, sentados separados das mulheres, formam um grupo compacto, enquanto elas num grande círculo interagem com as cinco atrizes que se esmeram em dar vida aos personagens conduzindo a ação com firmeza. De forma segura, elas agem e conduzem a ação; algumas vezes de maneira autoritária outras de cativante e envolvente afeto. Assim, o grupo que foi ao teatro para assistir termina por fazer parte integrante da ação dramática. Ecos grotowskianos.

Em Salvador, o evento se deu no espaço do Instituto Feminino, hoje um museu, mas outrora tradicional instituição educacional, marcadamente católica e de rígidos princípios morais e educativos. A escolha não podia ser mais acertada. O espaço, com sua carga histórica e simbólica, abriga as vidas confinadas de Nini, Clara, M.J. , Hercília e Maria Tourinho as personagens vividas pelas atrizes Janaína Leite, Evelin Klein, Juliana Sanches, Sara Antunes e Maria Helleno, sob a direção de Luiz Fernando Marques.

A encenação despojada, usa como cenografia o espaço do Instituto e a luz que entra pelos janelões da sala. A luminosidade natural marca a passagem do tempo: o real e o imaginário. Entre um e outro sutis diferenças. Não há refletores, não há cenografia construída. O que há é apropriação do espaço. Os figurinos sem o rigor da reconstituição histórica remetem ao passado, ao desgastado. Tecidos amarelados pelo tempo, tons pálidos, rendas e filós dão a medida da permanência das vidas trancafiadas. São metáforas da delicadeza ultrajada.

À medida que o espetáculo acontecia fui me sentindo constrangido por estar ali como um intruso, um fora-do-lugar. Ao mesmo tempo deixei-me levar pela emoção. A cada instante submergir emocionalmente. Confesso: derramei lágrimas. Tal carga emotiva não suspendeu o juízo crítico. Ele agiu em dois sentidos: primeiramente pensei na condição feminina numa sociedade ainda machista e esse pensamento me levou para as lembranças particulares; repassei a vida das minhas avós, das minhas tias, da minha mãe... de minhas irmãs. Depois, não consegui deixar de pensar no ato teatral, sua concepção, sua construção, sua execução. Mas essa apreciação não se processava friamente distanciada. As imagens, as idéias e, sobretudo as sensações aconteciam sincronicamente ao meu estado psicofísico. Fui agarrado por esse acontecimento teatral tão próximo da vida, como queriam os artistas, que respaldados nos esperimentos das vanguardas históricas defenderam um teatro participativo, de comunhão e integração verdadeiras com a platéia, ali por volta dos anos 60 e 70, quando as idéias da contracultura animaram o teatro, o te-ato.

Pode-se discutir a imposição das atrizes sobre as mulheres sentadas no círculo. Mas penso que nenhuma delas foi obrigada a entrar no jogo. Mas se assim fosse, não era essa a regra institucional higienista vigente na casa de tratamento? Essa e outras questões perpassam o espetáculo. A interatividade proposta pelo grupo pode provocar rejeição por parte da platéia feminina, mas cada qual entre no jogo se quiser. Penso que as portas não estavam aferrolhadas, cabendo a cada uma o direito da recusa.

Ao sair do Instituto Feminino depois de ver as personagens envolvidas nas sombras do fim do dia e perdidas pelos corredores e salas entoando uma cantiga melancólica fiquei com a certeza de que o fenômeno teatral, essa arte sempre ameaçada de morte, está vivo. Ele nos proporciona experiências enriquecedoras, mesmo quando negamos a sua força, por discordamos esteticamente, ideologicamente ou por não encontramos elo entre o que se vê no espaço cênico e o nosso universo cognoscível. No livro-programa, extenso material sobre o espetáculo, Flavio Desgranges, professor de Teatro da ECA/USP, escreve o texto A Posição de Espectador em Hysteria, dando-nos pistas para analisarmos esse ato que se constrói entre emissor e receptor e conclui com algumas perguntas. Uma delas: “Como pensar uma arte teatral efetiva em nossos dias?” O Grupo XIX de Teatro responde com seu trabalho, outros agrupamentos responderão de muitas outras formas. Com isso, alargamos as nossas ferramentas para compreender o fenômeno teatral e separar alhos de bugalhos.

Oportunamente comento Aqueles Dois.

Registro 215: Impressões sobre ENSAIO. HAMLET

“Pra que serve a Arte? Para nos dar a breve mas fulgurante ilusão da camélia, abrindo no tempo uma brecha emocional que parece irredutível à lógica animal. Como nasce a Arte? Nasce da capacidade que tem o espírito de esculpir o campo sensorial. Que faz a Arte por nós? Ela dá forma e torna visíveis nossas emoções, e, ao fazê-lo, apõe o selo de eternidade presente em todas as obras que, por uma forma particular, sabem encarnar a universalidade dos afetos humanos”.

A citação é do livro A Elegância do Ouriço, de Muriel Barbery (2008). Leio e me delicio com os personagens e situações. A fala é de uma zeladora de um prédio, residência de ricos em Paris. Na opinião de uma adolescente – outro personagem fascinante – decidida a cometer suicídio, a zeladora é o ouriço. Mas o que a citação tem com o Ensaio. Hamlet, montagem da Cia. Dos Atores, grupo carioca que apresentou sua criação no palco do Teatro Castro Alves na noite de 27 de outubro? Para mim, tem tudo a ver. A encenação “dá forma e torna visíveis nossas emoções”. Ela nos dá a certeza do sentido de beleza, potencializando-o.

No palco do TCA, concentrou-se em arena a platéia distribuída em três arquibancadas desconfortáveis e a área da representação. Por vezes, o incômodo do assento interferia no meu estado apreciativo, intrometendo-se de maneira traiçoeira. Mas nem isso me afastou da “breve mas fulgurante ilusão da camélia, abrindo no tempo uma brecha emocional que parece irredutível à lógica animal”.

É redundante falar em ritual quando se trata de teatro. A representação teatral desde suas raízes até o presente é sempre um ritual. Mas na encenação de Ensaio. Hamlet, o ritual é reforçado e não banalizado; a cerimônia não é convenção, mas elemento textual significativo. Desde a entrada do público instaura-se o clima solene, mas não enfatuado; a platéia vai sendo contaminada por essa atmosfera que se adensa até que as luzes diminuem e as velas iluminam o espaço. Os atores que estão em cena desde a entrada dos espectadores dão continuidade ao ato litúrgico-profano; vestido sobriamente de preto, o elenco prepara a primeira cena introduzindo-nos na trama do texto.

Percebe-se desde o início um mundo fragmentado, universo em desmoronamento. Essa percepção intensifica-se com o avançar da ação. Um mundo em destroços, confirmação da podridão existente no reino da Dinamarca. O espetáculo é concebido como um ensaio. Nele, o texto shakespeareano é desconstruído sem que se perca a sua essência, sua dimensão, poesia, invento, sua monstruosa monumentalidade. Embora fatiada, a tragédia está inteira. Desmonta-se a máquina desse mundo e ele se sustenta, inquietando-nos. A cena desdobra-se em metáforas e os conceitos desaparecem para dar lugar a obra em si, sua leitura versátil

Toda a encenação é pautada na desconstrução-construção.

A cada cena nos embebedamos de beleza. Cada imagem cheia de significados amplia os conflitos, clarifica os subtextos. Os personagens-monumentos criados pelo dramaturgo revelam-se no corpo de Bel Garcia, César Augusto, Emílio de Mello, Felipe Rocha. Marcelo Olinto e Susana Ribeiro. Esse elenco, parceiro do encenador Henrique Diaz, proporciona uma leitura particular e inventiva da tragédia do príncipe dinamarquês. Por eles, penetramos na consciência desse ser lucidamente louco, o atormentado que se rebela contra o estabelecido e morre proferindo: O resto é silêncio.

Os achados cênicos são surpreendentes e mesmo aqueles difíceis de serem decodificados não criam empecilho para o ato fruidor. Absorvemos cada instante do espetáculo. A encenação cai implacavelmente sobre a platéia e ela se vê presa na armadilha das idéias transformadas em imagens precisas, como na sequência da loucura e morte de Ofélia.

Como fugir a tanta beleza? Como fugir dos riscos enfrentados pela Cia dos Atores? Rendemos-nos ao fascínio da invenção, da versatilidade, da coragem de enfrentar a experiência através de procedimentos cênicos inusitados, como o de fazer a cena do duelo final se transformar numa conversar entre os personagens. A imagem de Hamlet envelhecido e fumando é inesquecível; faz lembrar o que diz Harold Bloom (2000): “Quando o vimos pela primeira vez, Hamlet é um estudante universitário que se vê impedido de retomar seus estudos. Não aparenta ter mais do que vinte anos; porém no quinto ato, constatamos que ele tem, no mínimo, a idade de trinta anos (...). Foi a consciência que o envelheceu, a consciência catastrófica da mazela espiritual que assola o mundo (...).

A cena final rivaliza em beleza com a cena da morte de Ofélia. Nela, a atriz ergue um garrafão azul derramando sobre sua cabeça a água contida no recipiente. O barulho do líquido e a reação da atriz proporcionam a sensação do afogamento. Afogamo-nos com a infeliz Ofélia. Outro momento exemplar: na cena do encontro (devolução dos presentes), quando Polônio e o Rei Cláudio escutam o diálogo entre Hamlet e Ofélia. Através de um gravador que transmite em tempo real a voz dos atores, os dois bisbilhotam numa tentativa de controlar o incontrolável. Nesses tempos de grampos e escutas furtivas, a cena além de terrível e engraçada, outro elemento presente na encenação. Diaz não exclui o cômico presente nas tragédias de Shakespeare, mas traz o risível para momentos tradicionalmente tidos como “sérios”.

No livro A Tragédia de Hamlet, Príncipe da Dinamarca (1999), Vigotski fala do círculo do tempo, aquela hora “em que a manhã já chegou mas ainda é noite”, vendo nesse momento algo “misterioso e incompreensível”. Para Vigotski, é “a hora mais aflitiva e mística; é a hora em que o tempo desmorona, em que se rasga o seu inseguro manto; é a hora em que se desvela o abismo da noite sobre o qual ascende o mundo diurno; a hora da noite e do dia. Essa é a hora que a alma experimenta ao ler ou assistir à tragédia de Hamlet, o príncipe da Dinamarca. É nessa hora que está submersa a alma do espectador ou do leitor, pois é aí que a própria tragédia tem sua significação e faz-se semelhante a ela: ambas têm uma única alma."

Ensaio. Hamlet, com sua borbulhante criatividade, coloca-nos diante do teatro, teatro de qualidade.

Senti comichões de estar no palco novamente.

O resto é silêncio.

Não comentarei God Exists, The Mother Is Present, But They No Longer Care. A minha irritação pode ferir suscetibilidades. E elegância é fudamental, embora não tenha sido elegante ao sair no meio do espetáculo.

Registro 214: Impressões sobre espetáculos - FIAC Bahia

Desde 24 de outubro realiza-se em Salvador o Festival Internacional de Artes Cênicas – FIAC. A iniciativa é das melhores. E se pensarmos no Festival Latino Americano de Teatro da Bahia levado a efeito em setembro, não temos do que nos queixar. O público interessado e a classe teatral foi e está sendo brindada com inúmeros espetáculos. Uma diversidade cênica enriquecedora. A programação do Festival Latino Americano incluía espetáculos nacionais e de países do continente. Agora, com o FIAC, a pauta se amplia, com a vinda de encenações da França, Noruega, Congo, Portugal, Argentina, Brasil – Rio de Janeiro, Ceará, Minas Gerais, Paraná, Brasília, São Paulo, Santa Catarina, Bahia.

Haja tempo para organizar horários, conciliar atividades. Além disso, há que se ter disposição para correr de um lado para o outro. Mas pra quem gosta de teatro tudo isso se torna irrelevante, principalmente quando o vento que vem da cena nos toca e nos anima.

Não vou falar de todos os espetáculos. As escolhas foram determinadas por critérios de ordem prática, por interesse estético ou simples curiosidade. Deixei de ver Sizwe Banzi Está Morto, texto dos sul-africanos Athol Fugard, John Kani e Wiston Ntshona direção de Peter Brook. De Athol Fugard conhecia Laços de Sangue e Mestre Haroldo. O fato de não ter ido ver uma encenação de Peter Brook é inexplicável, mas não tive vontade.

Corri pra assistir O Cantil, uma adaptação do texto A Exceção e a Regra de Bertolt Brecht realizada pelo Teatro Máquina do Ceará. Direção, dramaturgia e produção de Fran Teixeira. Concisão, poesia e domínio da linguagem cênica marcam o espetáculo cearense. Quatro atores em cena. Dois como bonecos, o Patrão e o Empregado; dois como manipuladores desses homens-bonecos. Perfeição! Por certo exagero meu. A perfeição indica um ponto morto, já que dele não sai mais nada. Não é o que se vê na cena de O Cantil. O domínio técnico está a serviço de uma idéia teatral muito bem resolvida. Certamente, Brecht não cansaria de aplaudir, porque a sua história sobre explorador e explorado explicita-se em cena de tal forma que nem a falta da palavra é sentida, embora no fim do espetáculo eu tenha manifestado a vontade de ouvi-la. Mas depois de refletir sobre o espetáculo, cheguei à certeza de que a palavra transformada em ação bastava. Compreendia-se todo o entrecho da peça adaptada e a relação entre os personagens sem a intromissão do verbo.

No palco aberto e preto, destacam-se os dois personagens vestidos de branco e os dois manipuladores. Dos manipuladores vemos o rosto. Estes são ajudados por dois contra-regras que entram esporadicamente para compor o jogo de cena, retirando alguns objetos ou fazendo aparecer as duas barracas para cena de acampamento. Um carro conduzido pelo Empregado leva sacos também brancos e cestos de vime. A luz é precisa e recorta os personagens em sua viagem. As cenas noturnas são marcadas por um belo e simples céu estrelado. Estabelecida a moldura mergulha-se nessa viagem cujo final já presumimos.

Com esse espetáculo o Teatro Máquina coloca em cena os dados de sua pesquisa artística e revela que a magia do teatro não se dá por truques ilusionistas, visto que constrói a sua cena utilizando-se de conceitos do teatro brechtiano, relendo-os de maneira muito particular, sem a submissão que muitas vezes ocorre quando a leitura das teses do dramaturgo alemão é feita ao pé da letra e de maneira mecânica.

O segundo espetáculo apreciado veio de Portugal, sob a responsabilidade da Companhia do Chapatô. Com a Sala do Coro lotada e barulhenta até começar a função, prenúncio de que o espetáculo prometia descontração e muitas gargalhadas, assistimos O Grande Criador, criação coletiva dirigida por John Mowat. O espetáculo, uma brincadeira com passagens do Antigo e do Novo Testamento, humaniza os personagens da história sagrada e retira das situações uma comicidade direta e comunicativa, fato que agarra a platéia desde os primeiros minutos. Não há novidade na proposta. O gênero aproxima-se muito do brasileiro Teatro Besteirol, difundido a partir da cena carioca e paulistana desde a década de 80.

Durante a encenação, cujo ponto forte é a interpretação de Jorge Cruz, José Carlos Garcia e Rui Rebelo, lembrei-me de Folias Bíblicas espetáculo do grupo paulista Pod Minoga, dirigido por Naum Alves de Souza, em 1977. Na montagem com forte acento lúdico, encenava-se as passagens da Bíblia como números de um espetáculo realizado por um grêmio de bairro.

O grupo português concentra no jogo dos atores e na qualidade de suas interpretações o foco do espetáculo. Aí está o atrativo e sua força, demonstrada ao longo de 80 minutos e impagáveis cenas, como a do dilúvio ou a cena em que Cristo joga futebol com uma vassoura, entre outras.

Para mim, o que fica do espetáculo é isso: três atores utilizando-se de seus recursos corporais e vocais de forma extremada, interagindo com a platéia de maneira segura e hábil. Pergunto-me: não teria o teatro português outro trabalho para ser escolhido pelos organizadores do FIAC? Quero ver mais da cena portuguesa.

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Registro 213: De Mário Quintana

A vida são deveres que nós trouxemos para fazer em casa.

Quando se vê, já são seis horas.

Quando se vê, já é sexta feira.

Quando se vê, já terminou o ano.

Quando se vê, já se passaram 50 anos!

E agora é tarde demais para ser aprovado.

Se me fosse dada, um dia, outra oportunidade, eu nem olhava o relógio.

Seguiria sempre em frente e iria jogando, pelo caminho, a casca dourada e inútil das horas.

Dessa forma eu digo: não deixe de fazer algo que gosta devido a falta de tempo, a única falta que terá, será desse tempo que infelizmente não voltará mais.

Mário Quintana

Registro 212: Para Nilda Spencer

Nilda Spencer

PAREM OS RELÓGIOS, MAS NÃO CESSEM OS APLAUSOS

Raimundo Matos de Leão

No Jardim da Saudade (10.10.2008), em meio à relva, árvores e canto de pássaros, os amigos artistas e não artistas levaram Nilda Spencer para outra morada. Quem sou eu para dizer que essa é a sua última morada? A nossa vã razão diz que sim, mas os mistérios são insondáveis. E do mistério se fez a arte que Nilda Spencer praticou durante cinqüenta e dois anos, a arte do intérprete. Como atriz, deixou nos palcos, nas telas do cinema e da televisão a marca do seu ofício, iniciado de maneira sistematizada quando da criação da Escola de Teatro, mas exercido antes em apresentações amadoras. Também foi pianista, atividade que sucumbiu aos encantos da arte teatral.

A primeira vez que vi a atriz em cena foi no inesquecível espetáculo Essa Noite se Improvisa, de Pirandello, sob a direção envolvente de Alberto D´Aversa, italiano de boa cepa, aportado no Brasil via Escola de Arte Dramática de São Paulo e Teatro Brasileiro de Comédia – TBC. Findava o ano de 1967 e a montagem encerrava o ano letivo da Escola de Teatro. Em cena, alunos e professores desvendavam para o público o meta-teatro pirandeliano. Nilda Spencer não era o destaque do elenco, primazia que cabia a Sônia dos Humildes, Dulce Schwabacher, João Gama, professores e ao aluno Harildo Déda, visto que seus personagens proporcionavam-lhes memoráveis interpretações. Ainda sim, Nilda Spencer obtinha seu quinhão em meio ao numeroso elenco. Com a dignidade de quem sabia que não há pequenos papéis no teatro, desempenhava uma das filhas da família retratada pelo dramaturgo italiano. Nilda no papel de Totina apresentava-se com empenho e dedicação.

Ela já fora protagonista feminina em Calígula de Albert Camus – direção de Martim Gonçalves – e em A Falecida, de Nelson Rodrigues, encenada por Carlos Murtinho. Destacara-se em Major Bárbara de Bernard Shaw, sob a direção de Luiz Carlos Maciel, entre outras realizações.

Esse sistema de rodízio de papéis importantes entre os alunos da Escola de Teatro foi uma prática instituída por Martim Gonçalves e fazia parte do seu projeto artístico-pedagógico. Mesmo que algumas injustiças tenham sido cometidas nas escolhas dos elencos das peças do repertório de A Barca, companhia criada no interior da Escola de Teatro da então Universidade da Bahia, os programas atestam tal prática. Foi no interior desse sistema que Nilda Spencer e seus colegas da primeira turma de formandos, em 1959, aprenderam e vivenciaram as diversas funções inerentes ao espetáculo. Os alunos, como ela, estiveram no palco e nas coxias revezando-se nas funções de intérprete, contra-regra, recepcionista, assistente de direção, entre outras. Foram protagonistas e coadjuvantes.

Ao ingressar na Escola de Teatro em 1968 estive próximo da professora e atriz, sempre elegante, calçando sempre sapatos de saltos altíssimos, uma compensação para sua baixa estatura. Tal artifício que a vaidade feminina não dispensava, era posto em segundo plano, visto que a esfuziante vitalidade de Nilda Spencer aumentava-lhe o porte. Anos mais tarde, ao reecontrá-la no camarim da Sala do Coro – TCA, onde fazia a protagonista de Ensina-me a Viver, ao abraçá-la vi o quanto era pequena e frágil, fruto da idade. A exuberância da mulher madura transmutara-se em graça e calma de quem sabe ter aproveitado a vida. Ao abraçá-la, não imaginávamos que se despedia do palco fazendo Maude, comemorando quarenta e cinco anos de carreira.

Estive uma única vez em cena com Nilda Spencer; foi na montagem de A Companhia das Índias, texto de Nelson Araújo, com direção de Orlando Sena. A atriz interpretava Rosélio Villarotas um ex-ministro de Eldorado, republiqueta sul-americana saída da imaginação do dramaturgo. Nilda Spencer compunha com muita habilidade o personagem; sem fazer dele uma caricatura do masculino, aproveitava-se dos recursos farsescos que a montagem de Sena possibilitava em sua moldura tropicalista, ganhando a cena de maneira hilariante. Ostentando grosso bigode, ela incorporava ao seu corpo o gestual masculinizado sabendo lidar com os estereótipos para criticar a macheza latino-americana e definir a personalidade de Vilarotas. Impagável!

Quando da escolha do elenco para a encenação de A Casa de Bernarda Alba, Possi Neto convidou Nilda Spencer para interpretar Maria Josefa. Ela não aceitou e o papel coube a Carmem Bittencourt, que retornou como atriz ao palco da Escola de Teatro depois tê-lo deixado com a turma que se desligou da instituição para criar a Sociedade Teatro dos Novos. Por esse motivo, não tive o prazer, como assistente de direção, de acompanhar o processo de criação da atriz. Presenciei o de Carmem Bittencourt, claridade em cena. E penso: com teria Nilda Spencer criado a louca-lúcida mãe de Bernada? Ele realizaria um belo feito, tenho certeza.

Mais tarde, estando em São Paulo, e excursionando pelo Brasil (1981) com a peça Escuta, Zé Ninguém, criação memorável de Marilena Ansaldi e Celso Nunes, fui abraçado por Nilda Spencer no camarim do Teatro Castro Alves. Não esqueço esse abraço. Era o abraço de quem se reconhecia em mim, pois sabia que contribuira para a minha formação como ator, que passara um tanto do seu saber e me vira engatinhar no palco. Senti o caloroso e generoso abraço e agradeci, afetuosamente, tudo aquilo que aprendera com ela.

Que a nossa memória dê conta dessa vida no palco e que não esqueçamos a forma com que Nilda Spencer desdobrou-se em tantas máscaras para revelar o seu ser de atriz, de mulher. Ela agora “dança no sétimo céu”, rindo maliciosamente da nossa transitoriedade.

Registro 211: Sobre anjos

Queridos anjos de Deus

Iya Agbeni Xangô (Cléo Martins)

Vocês, meus leitores e leitoras, acreditam em anjos?
Eu, sim. Creio com toda a força do pensamento, palavras e coração. Acredito nestes luminosos seres angelicais e também em alguns outros tantos vivíssimos pelas ruas, estradas e avenidas.
Podemos ser anjos, para nosso próximo, ou, a depender da escolha, diabinhos bem ruinzinhos... Se a opção for involuntária, que Deus tenha misericórdia. Caso consciente, ai, ai...
Sempre nos cabe o desejo de seguimento da Verdadeira Luz.
Os iorubás acreditam na escolha do ori (a cabeça espiritual).
Mais do que nos traçados do destino (predeterminação), a escolha é sempre de nós outros e outras viventes.

Quinta passada, dois de outubro, dia do aniversário de minha amiga Lourdes Massa, foi a festa dos Santos Anjos. Dois de Outubro. Dia dos famosíssimos guardiães desde o abandono do útero materno.

Os anjos se encontram presentes no judaísmo, islamismo e cristianismo.

No Catolicismo festejam-se os Anjos fiéis ao Senhor: mensageiros do Amor de Deus e combatentes do Mal.

São os nossos protetores desde a chegada ao mundão até a morte.
De muitos e dentre todos se destacam os magníficos Miguel, Rafael e Gabriel.

Miguel Arcanjo é o guerreiro combatente dos Caídos - os anjos rebeldes das profundezas do desamor onde Deus não habita. Conhecida a imagem do Arcanjo festejado no final de setembro a pisar no líder das legiões infernais.

São Miguel é referido tanto no Velho Testamento (livro de Daniel) quanto na Nova Aliança: Epístola de Judas e Apocalipse de São João: "Houve então uma batalha no céu: Miguel e seus Anjos guerrearam contra o Dragão. O Dragão batalhou, juntamente com seus Anjos, mas foi derrotado, e não se encontrou mais um lugar para eles no céu".(Ap, 12:7).

Rafael quer dizer "Deus cura" na língua hebraica, na qual médico é rophe.
É o Arcanjo do Senhor contra as dores e mazelas humanas.
Não há referência expressa a Rafael no Novo Testamento.
É citado no Livro de Tobias. (Livro de Tobit, na tradução ecumênica da TEB)
Somente no capítulo 12 do referido texto o Arcanjo igualmente festejado aos 29 de setembro (com Miguel e Gabriel) se dá a conhecer: "Eu sou Rafael, um dos sete santos anjos que assistem e têm acesso à majestade do Senhor".(Tb 12,15)
Apesar de não expresso nos escritos néo-testementários a tradição tende a identificá-lo com o anjo da ovelha. (João 5,2).

Gabriel (Força de Deus, em hebraico) é o Anjo da Anunciação.
É tido como o Arcanjo da Esperança; da Revelação, sendo comumente associado a uma trombeta: a Voz de Deus transmissora das Boas Novas.
Foi quem também anunciou ao profeta Daniel a vinda do Mashiah - Messias. O Ungido: Cristo, em grego.
"Apareceu Gabriel da parte de Deus e me falou: dentro de setenta semanas [de anos] (70 anos x 7, ou seja, 490 anos) aparecerá o Santo dos Santos." (Daniel 9:24-26).
A ele foi confiada a missão dentre as missões: anunciar o nascimento do Filho de Deus.
Por isso, é muito admirado desde a antigüidade.
Foi quem apareceu a Zacarias para lhe comunicar a paternidade em idade proveta.
Há mais de uma referência no Evangelho de Lucas: meu predileto dentre os sinóticos.
"Eu sou Gabriel, o que está na presença de Deus" (Lucas 1:19). "Foi enviado por Deus o anjo Gabriel a uma cidade da Galiléia, a uma virgem chamada Maria, e chegando junto a ela, disse-lhe: Salve Maria, cheia de graça, o Senhor está contigo". (Ela ficou confusa, mas disse-lhe o anjo:) "Não tenhas medo, Maria, porque estais na graça do Senhor. Conceberás um filho a quem porás o nome de Jesus. Ele será filho do Altíssimo e seu Reino não terá fim".

Também existem anjos encarnados, minha gente.
Há doze anos fui de Salvador até São Paulo em meu carro, com alguns amigos. O automóvel quebrou no meio do nada. Distante duas horas de Itabuna.
Comecei a sentir pânico. Impossível a comunicação por telefone celular.
De repente, não mais que de repente, surgiram Renato e seu sobrinho Renatinho no precário caminhão cheio de frutas.
Vendo nosso desespero providenciaram rudimentaríssimo "cambão". Renatinho assumiu o escort.
O guincho partiu - sem exagero - sete vezes sob sol causticante de rachar asfalto.
Todas as sete vezes Renatinho e Renato consertaram o cambão com sorriso nos olhos límpidos e nos lábios a mesma frase dirigida a mim (aos prantos) – "Cléo; que mulher sem fé é esta; não percebe que a gente está aqui pra consertar quantas vezes for preciso?!?"

Não aceitaram dinheiro.
Já em Itabuna, bem mais pacificada, tirei os óculos de sol e dei-os a Renatinho.
Tio e sobrinho desapareceram com a sutileza da chegada.
Nunca mais soube deles...

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Publicado originalmente na edição de 3 de outubro de 2008, no jornal A Tarde - Salvador - Bahia.

Registro 210: Leituras...

Ainda tocado pela intensidade amorosa de Carta a D. - História de um amor, de André Gorz (Annablume /Cosacnaif), deixo-me levar pelo livro de Doris Lessing, O sonho mais doce (Companhia das Letras). Não consigo desgrudar de páginas tão intensamente amorosas, compreensivas, mas de uma ironia e criticidade feroz. No final da década de 70 tentei ler a autora, Prêmio Nobel 2007, mas não consegui entrar no seu universo. Rendo-me agora. Transcrevo o resumo da quarta capa: " Jovens de origens e filosofias diversas se refugiam num casarão confortável de Hampstead, bairro chique londrino, para usufrir da comida farta e do ambiente liberal que Frances Lennox, espécie de mãe substituta, propicia. Sentados em torno da grande mesa da cozinha [que mesa, que cozinha!], os adolescentes sorvem também cada gota da retórica do camarada Jonny, ex-marido de Frances, membro do Partido Comunista, pai ausente e eterno revolucionário [repleto de frases feitas e discursos edificantes]. Eles escutam os discurso de Jonny e devaneiam. Querem a utopia. A Revolução.

(...) Num contraponto doloroso, ela nos dá, de um lado, uma Londres que tem tudo, e de outro, uma África que tem fome de tudo."

Lessing é demolidora e sem mascarar enfia o dedo em nossas feridas abertas, aquelas provocadas pelos sonhos não realizados. Os sonhos que se perderam na fumaça da peroração e algaravia dos que se colocam na vanguarda em prol das transformações sociais, políticas e econômicas, mas ficam apenas no nível da idéias. E essas idéias um tanto repisadas não causam nada, esvaziam-se. Por outro lado, ela nos mostra possibilidades no interior de um mundo em ruínas.

Leitura cativante, ela nos prende avassaladoramente, seja pela linguagem, seja pelos persoangens que nos apresenta em suas trajetórias por aquelas décadas que o século XX se viu sacudido e esperou colher mudanças advindas da decantação. O painel que se afigura ao leitor é triste, mas há sempre a possibilidade do encontro, encontro que vai se dar no nível individual, mas que rejeita o individualismo. Doris Lessing traz para as páginas de O sonho mais doce seres humanos destroçados, alguns desprezíveis, mas a maioria aceitáveis com suas idiossincrasias próximas das nossas.

Registro 209: Onde eu nasci...

Baixa Grande - Bahia

A casa de meu avô. Quando me dei conta do mundo,

a árvora já não existia em à casa

Registro 208: Vou estar lá...

Registro 207: Ida e volta

Laços brancos que nem pombas pousam sobre as árvores,
marcos sagrados ao longo do caminho.
Sigo de ônibus... pelas janelas vejo a vida que passa.
Penso naqueles que foram abatidos pela intolerância
de ontem, e sobretudo de agora.
Intolerância gerada pelo capital da fé.

Irmãozinho, o que interessa é a grana.

Meu coração, terra sagrada, abriga o indizível

As máscaras vazias poluem a cidade
são caretas assustadoras.
De suas bocarras saem sorrisos congelados.
Palavras matraqueadas
De-co-ra-das, des-co-ra-das.
Batatadas
Desvitalizadas

Saio da livraria cuidando amorosamente
de Cartas a D.
Basta o primeiro parágrafo...

Parado no ponto de ônibus, eu me lembro de
Ensaio sobre a cegueira, o filme.
Branco

Registro 206: Comentário sobre Linha de Passe

Recebi a mensagem que transcrevo.

Mantenho a autora no anonimato por não ter consultado-a sobre a publicação. Seu comentário sobre o filme Linha de Passe é direto, curto e sábio.

"...fui ver, ontem, o filme do Waltinho/Daniela ...mein Got, meu São Judas ! Capotonte !!! Arrepiante !!!! Fiquei sufocada, sem ar, quase toda a projeção. Que atores , que olhos dizentes, que direção sábia, que atriz , que roteiro sem chance pra nenhuma respirada dum pinguinho de fantasia, que embate com a realidade, que poucas palavras/palavrões mais do que suficientes, que clima asfixiante que nenhum carinha da chamada esquerda cria, que banho de falta de perspectivas, de é -isso-mesmo- não -tem-escapatória - não -tem -sonho - que -vire- de verdade- Uau, uau !!!!!!!"

Registro 205: Linha de Passe Adianta a Bola do Cinema Brasileiro

Linha de Passe, o filme de Walter Salles e Daniela Thomas, está em carta em boa hora, já que ilumina algumas sombras do nosso cinema, dos nossos dilemas diante dos caminhos que a vida brasileira segue. É sempre bom apreciar um filme bom e Linha de Passe é mais que isso, é especial. Os cineastas contam fragmentos da vida, pedaços reunidos em um painel denso, humano e nada idealizado. Ponto para eles, ponto para nós espectadores que absorvermos o discurso acionando as nossas maquinetas de compreensão: sensibilidade e racionalidade. São esses também os ingredientes utilizados pelos criadores do filme para adentrar na periferia de São Paulo e olhar aquela família singular composta por uma mãe grávida, cujos filhos não convivem com a figura paterna porque ela não mais existe entre eles, somente em fotografias, documentos de um passado apreciados pela mãe nos momentos de solidão. Compõe a família um garoto negro, filho caçula, preocupado em saber da existência paterna, pois é o único que não sabe quem é o pai. Os outros, embora saibam da existência do genitor, são filhos de pais diferentes.

Não farei um resumo detalhado do seu enredo simples, mas não simplista. Para situar o leitor, localizo o centro de onde partem os acontecimentos do filme.

Cada filho dessa família tem um desejo que se configura na vontade e nas ações para realizá-lo. O mais novo é Reginaldo (Kaique de Jesus Santos), obcecado, vive a procura do pai que ele sabe ser motorista de ônibus. Dario (Vinícius de Oliveira) sonha tornar-se jogador profissional. Sua batalha é tentar passar na seleção realizada por olheiros dos médios e grandes times, mas vai sofrer os limites da idade. Ao completar 18, já não interessa. É velho para o mundo do futebol. Denis (João Baldasserini) trabalha é moto-boy, tem um filho com uma namorada, com quem não vive. Dinho (José Geraldo Rodrigues), é arrimo de família, ajuda a mãe no sustento da casa, trabalhando como frentista. Dinho é evangélico, freqüenta a igreja e atua junto ao pastor. A mãe, Cleuza (Sandra Corveloni, Palma de Ouro de Melhor Atriz em Cannes, 2008), grávida pela quinta vez, sem que se saiba quem é o pai, trabalha como empregada doméstica. Torcedora do Corinthians, assume o papel materno e paterno sustentando o lar num equilíbrio delicado.

Walter Salles e Daniela Thomas, tomam essas situações e não carregam a mão no drama. A secura perpassa o filme desde sua exposição inicial até o último instante. Eles não deixam espaço para o sentimentalismo lacrimoso ou piegas. Ao mesmo tempo, tratam seus personagens carinhosamente. Sem idealizá-los, mostram como eles são, como eles reagem no interior das circunstâncias e como cometem pequenas falhas. Os diretores orquestram a história de vida de cada um dos personagens durante alguns meses. Nesse tempo, os acontecimentos narrados prefiguram sempre a iminência do dramático. Optam pela ficção, mas dão um tratamento quase documental ao material. Fazem isso com habilidade, ainda que deixem lacunas, principalmente na amarração final na trajetória de cada filho. A opção por deixar em aberto pode não satisfazer a maioria dos espectadores, principalmente aqueles que estão acostumados a filmes cujas histórias se desenrolam obedecendo à clássica estrutura de começo, meio e fim bem amarrados. Essas omissões não chegam a perturbar o conjunto da obra. Ao finalizar a narrativa, ou melhor, as pequenas narrativas que formam o todo de Linha de Passe, Walter Salles e Daniela Thomas deixam que o espectador complete os finais. Para isso oferecem pistas ao longo do filme.

Sobre as interpretações, é notável sua condução. Os diretores retiram dos seus intérpretes o melhor. E não apenas do quinteto central, muito bem afinado, já que os atores foram bem escolhidos e adequam-se aos personagens. Eles são a alma do filme. Em meio às ótimas interpretações ressalta a criação de Sandra Corveloni. Sem grandiloqüência, visto que o personagem não pede esse registro, a atriz constrói Cleuza com pequenos gestos, olhares reveladores do que se passa em seu íntimo e falas cujas entonações precisas revelam a compreensão do personagem e do lugar onde ele está situado.

O elenco secundário, formado por atores com experiência em teatro, torna os personagens críveis, ainda que as suas participações sejam pequenas. Mas destacam-se as atuações de Fernando Bezerra, o preparador de Dario, de Gabriela Rabelo, a senhora paralítica, de Denise Weinberg, a patroa de Cleuza, além de Luiz Serra e Norival Riso.

Um destaque do filme é a escolha de São Paulo como locus da ação. A cidade, sua imensidão, seu descontrole, servem de moldura para história tratada com sensibilidade já demonstrada pelos diretores. A direção de arte soube captar com precisão os ambientes, da mesma forma que a música que se faz ouvir sem estardalhaço, mas cria o clima sonoro para os personagens se exponham à luz dos refletores e para a câmera que capta as nuances de suas interpretações

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Linha de Passe, o filme de Walter Salles e Daniela Thomas, está em carta em boa hora, já que ilumina algumas sombras do nosso cinema, dos nossos dilemas diante dos caminhos que a vida brasileira segue. É sempre bom apreciar um filme bom e Linha de Passe é mais que isso, é especial. Os cineastas contam fragmentos da vida, pedaços reunidos em um painel denso, humano e nada idealizado. Ponto para eles, ponto para nós espectadores que absorvermos o discurso acionando as nossas maquinetas de compreensão: sensibilidade e racionalidade. São esses também os ingredientes utilizados pelos criadores do filme para adentrar na periferia de São Paulo e olhar aquela família singular composta por uma mãe grávida, cujos filhos não convivem com a figura paterna porque ela não mais existe entre eles, somente em fotografias, documentos de um passado apreciados pela mãe nos momentos de solidão. Compõe a família um garoto negro, filho caçula, preocupado em saber da existência paterna, pois é o único que não sabe quem é o pai. Os outros, embora saibam da existência do genitor, são filhos de pais diferentes.

Não farei um resumo detalhado do seu enredo simples, mas não simplista. Para situar o leitor, localizo o centro de onde parte os acontecimentos do filme.

Cada filho dessa família tem um desejo que se configura na vontade e nas ações para realizá-lo. O mais novo é Reginaldo (Kaique de Jesus Santos), obcecado, vive a procura do pai que ele sabe ser motorista de ônibus. Dario (Vinícius de Oliveira) sonha tornar-se jogador profissional. Sua batalha é tentar passar na seleção realizada por olheiros dos médios e grandes times, mas vai sofrer os limites da idade. Ao completar 18, já não interessa. É velho para o mundo do futebol. Denis (João Baldasserini) trabalha como é moto-boy, tem um filho com uma namorada, com quem não vive. Dinho (José Geraldo Rodrigues), é arrimo de família, ajuda a mãe no sustento da casa, trabalhando como frentista. Dinho é evangélico, freqüenta a igreja e atua junto ao pastor. A mãe, Cleuza (Sandra Corveloni, Palma de Ouro de Melhor Atriz em Cannes, 2008), grávida pela quinta vez, sem que se saiba quem é o pai, trabalha como empregada doméstica e está grávida.Torcedora do Corinthians, assume o papel materno e paterno sustentando o lar num equilíbrio delicado.

Walter Salles e Daniela Thomas, tomam essas situações e não carregam a mão no drama. A secura perpassa o filme desde sua exposição inicial até o último instante. Eles não deixam espaço para o sentimentalismo lacrimoso ou piegas. Ao mesmo tempo, tratam seus personagens carinhosamente. Sem idealizá-los, mostram como eles são, como eles reagem no interior das circunstâncias e como cometem pequenas falhas. Os diretores orquestram a história de vida de cada um dos personagens durante alguns meses. Nesse tempo, os acontecimentos narrados prefiguram sempre a iminência do dramático. Optando pela ficção, mas cruzado-a com o documental, fazem isso com habilidade, ainda que deixem lacunas, principalmente na amarração final na trajetória de cada filho. A opção por deixar em aberto pode não satisfazer a maioria dos espectadores, principalmente aqueles que estão acostumados a filmes cujas histórias se desenrolam obedecendo à clássica estrutura de começo, meio e fim. Essas omissões não chegam a perturbar o conjunto da obra. Ao finalizar a narrativa, ou melhor, as pequenas narrativas que formam o todo de Linha de Passe, Walter Salles e Daniela Thomas deixam que o espectador complete os finais. Para isso oferecem pistas ao longo do filme.

Sobre as interpretações, é notável sua condução. Os diretores retiram dos seus intérpretes o melhor. E não apenas do quinteto central, muito bem afinado, já que bem escolhidos. Eles são a alma do filme. Em meio às ótimas interpretações ressalta a criação de Sandra Corveloni. Sem grandiloqüência, visto que o personagem não pede esse registro, a atriz constrói Cleuza com pequenos gestos, olhares reveladores do que se passa em seu íntimo e falas cujas entonações precisas revelam a compreensão do personagem e do lugar onde ele está situado.

O elenco secundário, formado por atores com experiência em teatro, torna os personagens críveis, ainda que as suas participações sejam pequenas. Mas destacam-se as atuações de Fernando Bezerra, o preparador de Dario, de Gabriela Rabelo, a senhora paralítica, de Denise Weinberg, a patroa de Cleuza, além de Luiz Serra e Norival Riso.

Um destaque do filme é a escolha por São Paulo como locus da ação. A cidade, sua imensidão, seu descontrole, servem de moldura para história tratada com sensibilidade já demonstrada pelos diretores em outros filmes. A direção de arte soube captar com precisão os ambientes, da mesma forma que a música que se faz ouvir sem estardalhaço, mas cria o clima sonoro para que os personagens se exponham à luz dos refletores e para a câmera que capta as nuances de suas interpretações.